艺术导论(全国普通高等学校公共艺术课程系列教材)
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品牌: 唐玉琴
基本信息·出版社：上海教育出版社
·页码：236 页
·出版日期：2009年08月
·ISBN：7544424057/9787544424059
·条形码：9787544424059
·包装版本：第1版
·装帧：平装
·开本：16
·正文语种：中文
·丛书名：全国普通高等学校公共艺术课程系列教材
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内容简介《艺术导论》是普通高校各个专业学生的一门文化素质教育课程，是一门系统概述艺术、研究艺术的一般规律的科学，目的是对学生进行艺术审美教育，培养学生艺术感受与艺术鉴赏的能力，提高大学生基本的审美品质和艺术理论水平。
编辑推荐《艺术导论》：全国普通高等学校公共艺术课程系列教材
目录
绪论
第一章 艺术的本质与特征
第一节 艺术的本质
第二节 艺术的特征
第二章 艺术的起源
第一节 关于艺术起源的几种观点
第二节 人类实践与艺术的起源
第三章 艺术的社会功用
第一节 艺术与其他社会文化的关系
第二节 艺术的社会功能与作用
第四章 艺术创作与作品
第一节 艺术创作
第二节 艺术作品
第五章 艺术鉴赏与批评
第一节 艺术鉴赏
第二节 艺术批评
第六章 实用艺术
第一节 实用艺术的主要种类
第二节 实用艺术的审美特征
第七章 造型艺术
第一节 造型艺术的主要种类
第二节 造型艺术的审美特征
第八章 表情艺术
第一节 表情艺术的主要种类
第二节 表情艺术的审美特征
第九章 综合艺术
第一节 综合艺术的主要种类
第二节 综合艺术的审美特征
第十章 语言艺术
第一节 语言艺术的主要体裁
第二节 语言艺术的审美特征
参考文献
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序言普通高等学校公共艺术教育是高等教育的有机组成部分，在我国高等教育发展的历史进程中，众多教育家和学者曾经广为呼吁：艺术教育是实施美育的重要途径，其重要性不可忽略。著名教育家蔡元培先生就曾经作出“没有美育的教育是不完全的教育”的论断。但是，在上世纪80年代中期以前，我国普通高等学校的公共艺术教育由于受到种种因素的制约，基本上可谓处于空白或自流的状态。随着改革开放的磅礴推进和综合国力的逐步增强，素质教育的思想不断深入人心，艺术教育以其深厚的历史文化传统和自身艺术价值的独特性和重要性，逐渐受到广泛而又高度的关注。
党和国家对全国普通高等学校的艺术教育高度重视。2002年中华人民共和国教育部令第13号以及2006年教育部颁布的，对普通高校开设公共艺术课程的性质、目标、设置、保障等均作出了法制性的规定。在全国众多普通高校的中长期发展规划中也由此专门研究设计了公共艺术课程的建设方向。这些，都为公共艺术教育在普通高校的实施奠定了指导性思想和软硬件基础，保证了艺术教育的健康开展以及与其他教育课程的互相促进、和谐发展。
公共艺术教育的基本任务是培养大学生健康的情感和高雅的艺术品位，启发和丰富其形象思维，它对于提高全体学生的审美素质，培养创新精神和实践能力，塑造健全人格具有独特的重要作用。作为我国高等教育课程体系的重要组成部分，公共艺术课程是普通高等学校实施美育教育的主要途径。
公共艺术课程教学是普通高等学校艺术教育工作的中心环节。可是无需讳言的是，目前大多数普通高校公共艺术课程在开设及完成质量上都存在着一定的不足或不尽人意之处，而首当其冲的问题就是公共艺术课程教材的科学性、规范性与系统性难以确保，造成教学目标不明确，教学进度不统一，教学质量无保证。
纵观时下有关公共艺术课程的教材，主要存在以下几个方面的问题。其一，从各科教材的内容上讲，大多数教材所涉范围广泛、信息量大，此既为优点又成瑕疵。试想，公共艺术教育课程在普通高校作为限定性选修课程，即在36个学时内要完成各科目的教学内容，因此冗长而繁琐的教材是无法在这一现实状况下合理科学施教的。其二，公共艺术教育的对象是高等院校中非艺术专业的大学生，他们无法像专业学生那样所学之
文摘插图：
那里面看得见依照我们的理解应当如此的生活，那就是美的；任何东西，凡是显示出生活或使我们想起生活的，那就是美的。”④从这个角度肯定了美离不开人的理想，肯定了现实生活是艺术的源泉，艺术家在说明生活和对生活作判断时又必须发挥自己的主观能动性。但是，车尔尼雪夫斯基机械唯物论的缺陷，使他在美学和艺术思想中充满了矛盾，尤其是他过分抬高现实美，贬低艺术美。他有一个很有名的比喻，把生活比作金条，把艺术品比作钞票，以此说明艺术只是生活的代替品，自身缺少内在的价值，显示出机械唯物主义的偏见。（四）“有意味的形式说”该观点认为艺术的根本在于形式，艺术是“有意味的形式”。早在公元前6世纪，古希腊毕达哥拉斯学派就用数与节奏的和谐比例的原则考察音乐、建筑、雕塑等艺术，如研究什么样的数量比例才会在艺术中产生美的效果，发现了“黄金分割”的比例，并认为圆球形是最美的图形。意大利文艺复兴时期的艺术家们也十分偏重对形式美的探求，苦心研究色彩学、透视学、解剖学，寻找“最美的线形”和“最美的比例”，并试图用数学公式将其表现出来。到19世纪，这一理论由英国著名的艺术批评家克莱夫·贝尔和罗杰·弗莱继承并倡导。他们立足于视觉艺术领域，以塞尚为代表的后印象派以及此后的现代主义美学为基础，作出了对美术特有的全新解释。贝尔的形式主义理论集中体现在其《艺术》一书中。第一章“什么是艺术”中提出了一种“审美假说”，认为“在所有的艺术品中必定有某种共同的而又是独特的性质”，这个性质是艺术品最基本的性质，离开了它，艺术品就不能作为艺术品而存在，有了它，任何作品至少不会一点价值都没有。那么究竟什么是圣索菲亚教堂、卡尔特修道院的窗子、墨西哥的雕塑、波斯的古碗、中国的地毯和塞尚的绘画作品中所共有的性质呢？看来，可作解释的回答只有一个，那就是“有意味的形式”，在各个不同的作品中，线条、色彩以某种特殊方式组成某种形式或形式间的关系，激起我们的审美情感，这种线色的关系和组合，这些审美的感人形式，他称之为“有意味的形式”。有意味的形式就是一切视觉艺术的共同性质。他们认为，“有意味的形式”就是美术家的主观审美情感的表现，它决不是对任何外部事物的模仿和复制，而是美术家的主观创造，是独立于外部事物的一种新的精神性的充实。在贝尔看来，再现性的题材内容完全是与审美价值无关的东西。他把模仿自然与
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